Tag Archives: Electronic

Passion Pit: “Lifted Up (1985)”

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“Contraste” parece ser a palavra que melhor define o trabalho do Passion Pit. Desde a entrega do primeiro EP, Chunk of Change, lançado em setembro de 2008, Michael Angelakos, vocalista e líder da banda, explora de maneira assertiva a essência melancólica dos próprios versos, posicionando sintetizadores festivos e arranjos voltados ao pop de forma a construir a base de cada composição. Um som de natureza doce, reforçado com delicadeza nos dois últimos trabalhos do grupo, Manners (2009) e Gossamer (2012).

Longe de parecer uma surpresa, com a entrega de Lifted Up (1985), primeiro single de Kindred (2015), terceiro álbum da carreira do grupo, todos os “ingredientes” que caracterizam a obra do Passion Pit são mais uma vez resgatados (e expostos) por Angelakos. Enquanto acomoda confissões e versos nostálgicos – “1985 was a good year / The sky broke apart then you walked in” – ao longo da música, uma frente de sintetizadores e vozes carregadas de efeito explodem com entusiasmo, transportando o ouvinte para o mesmo cenário de It’s Not My Fault, I’m Happy, Cry Like A Ghost e outras faixas mezzo apaixonadas, mezzo sofredoras do último disco.

Com um total de 10 faixas e lançamento pelo selo Columbia, Kindred estreia no dia 21 de abril.

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Passion Pit – Lifted Up (1985)

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Twin Shadow: “I’m Ready”

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Contrário ao resultado imediatamente previsto, a passagem de George Lewis Jr. para uma grande gravadora – neste caso, a gigante Warner Bros. – em nada prejudicou o rendimento do músico à frente do Twin Shadow. Ao menos por enquanto. Assim como no último single do músico norte-americano, Turn Me Up, referências típicas da década de 1980 servem de base para o trabalho de Lewis, mais uma vez livre da ambientação “caseira” explorada no álbum de 2010, e ainda focado na estrutura limpa do sucessor Confess (2012).

Em I’m Ready, mais novo fragmento de Eclipse (2015), terceiro registro em estúdio do Twin Shadow, o explícito reforço nas guitarras mostra a direção assumida por Lewis Jr. Ao mesmo tempo em que parece íntimo dos últimos discos, os versos parcialmente declamados da canções logo aproximam o músico do mesmo universo de Depeche Mode, U2 e outros artistas próximos, como um diálogo breve com a música eletrônica/pop no começo dos anos 1990.

Eclipse conta com lançamento previsto para o dia 17 de março pela Warner Bros.

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Twin Shadow – I’m Ready

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Hot Chip: “Huarache Lights”

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Em constante produção desde a estreia de Coming on Strong, em 2004, com um novo álbum em mãos a cada dois anos, nunca antes o Hot Chip enfrentou um “hiato” tão grande quanto o reforçado nos último período. Três anos depois de apresentar (o excelente) In Our Heads (2012) e com um espaço aberto para o trabalho solo de boa parte dos integrantes, é chegada a hora de conhecer o tão esperado sexto registro em estúdio da banda londrina: Why Make Sense? (2015).

Segundo lançamento do coletivo pelo selo Domino Records, o álbum de dez composições inéditas – e um EP de “extras” – parece seguir uma abordagem diferente em relação ao último projeto da banda. Em Huarache Lights, faixa de abertura do novo trabalho, elementos típicos da Disco Music e traços da eletrônica pós-Disclosure convivem em perfeita harmonia, resultando em um material tão recente quanto marcado pela nostalgia dos arranjos. Lançada também em clipe, Huarache Lights (o vídeo) conta com direção de Andy Knowles e imagens captadas em uma instalação do artista plástico Robert Bell.

Why Make Sense? estreia oficialmente no dia 18 de maio.

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Hot Chip – Huarache Lights

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Braids: “Miniskirt”

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Arranjos minimalistas, vozes comportadas e temas eletrônicos que parecem “esfarelar” na mente do ouvinte: se essa ainda é a sua interpretação sobre o trabalho da banda canadense Braids, talvez seja melhor pensar duas vezes. Longe do ambiente compacto explorado nos dois primeiros álbuns de estúdio, o grupo de Calgary, Canadá parece encarar o terceiro registro da carreira como uma obra de transformação, postura explícita nos quase cinco minutos de Miniskirt, primeira composição inédita do grupo desde o lançamento do ótimo Flourish // Perish, em 2012.

Primeiro exemplar do (ainda) inédito Deep In The Iris (2015), a nova composição talvez seja a melhor representação da essência musical do trio. Enquanto arranjos e batidas parecem dialogar com a obra de Aphex Twin, a voz de Raphaelle Standell-Preston assume um maior estágio de grandeza, esbarrando de forma natural no trabalho de Björk dentro de obras como Post (1995) e Homogenic (1997). Com previsão de lançamento para o dia 28 de Abril, o terceiro disco de inéditas do Braids conta com lançamento pelo selo canadense Arbutus Records.

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Braids – Miniskirt

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Madeon: “Pay No Mind” (ft. Passion Pit)

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Até o lançamento do terceiro álbum de estúdio do Passion Pit, Kindred (2015), previsto para estrear no mês de abril, Michael Angelakos e os parceiros de banda devem apresentar ao público alguns fragmentos do novo registro. Ansioso demais para o trabalho? Carece de alguma canção inédita do grupo de Massachussetts? Tudo bem, a parceria da banda com o produtor francês Madeon talvez funcione como “aperitivo”.

Intitulada Pay No Mind, a inédita composição até que poderia ser encontrada no primeiro álbum de estúdio do grupo norte-americano – Manners (2009) – se não fosse pelo “clima de Daft Punk” no melhor estilo Discovery (2001). Parte do primeiro álbum de estúdio de Madeon, a faixa de quatro minutos parece capaz de resumir a atmosfera do esperado debut, trabalho que ainda conta com a participação de membros do Foster The People e Bastille. Com lançamento pelo selo Columbia, Adventure (2015) estreia no dia 31 de março.

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Madeon – Pay No Mind (ft. Passion Pit)

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Disco: “Lost Themes”, John Carpenter

John Carpenter
Ambient/Synthpop/Instrumental
http://www.theofficialjohncarpenter.com/

John Carpenter não poderia ter escolhido uma composição mais assertiva para inaugurar Lost Themes (2015, Sacred Bones) do que a climática Vortex. Em uma espiral de sintetizadores obscuros – fazendo valer o título da própria criação, “vórtice” – o artista norte-americano soluciona não apenas a estrutura temática para o restante da obra – um compilado de peças avulsas, instrumentais e sempre atmosféricos -, como ainda estabelece uma espécie de ponte (sonora) para a extensa filmografia de terror/suspense assinada desde o início da década de 1970.

Diretor responsável por filmes como The Thing (1982), Christine (1983), além da franquia Halloween, Carpenter encontra no primeiro trabalho em carreira solo um diálogo transformador com o próprio acervo cinematográfico. Partindo da estilização soturna da faixa de abertura – um possível introdução para qualquer película apresentada pelo artista nas últimas quatro décadas -, o ouvinte é convidado a explorar faixas fragmentadas em pequenos atos (Obsidian), instantes de ascensão (Mystery) ou mesmo suspiros instrumentais orquestrados por bases climáticas (Wraith).

Embora já tenha assinado a trilha sonora de diferentes filmes ao longo da carreira – caso de Assault on Precinct 13 (1976) e The Fog (1980) -, este é o primeiro trabalho de Carpenter pensado inteiramente no uso dos arranjos, esquivo da natural relação do artista com as imagens. Entretanto, difícil passear pela estrutura delicada de Fallen, Purgatory e qualquer outra canção “soturna” da obra sem visualizar as tradicionais cenas de suspense que marcaram a carreira do cineasta. Sem ordem específica, como fragmentos de um filme bruto, não editado, Carpenter detalha uma história de natureza perturbadora ao ouvinte.

Entalhado em um cercado musical específico, Lost Themes acomoda melodias e batidas eletrônicas de forma comportada, como uma película de roteiro lento, porém, envolvente. A julgar pela imposição dos sintetizadores – base de toda a obra -, referências ao trabalho de Kraftwerk e outros gigantes da década de 1970 – quando começou o trabalho como diretor – surgem por todo o álbum. Também é possível estreitar os laços com uma série de produtores recentes, principalmente Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never), além dos ex-parceiros no Emeralds Steve Hauschildt e Mark McGuire. Continue reading

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Zola Jesus: “Compass”

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A relação de Zola Jesus com o pop/dance music não parece limitada apenas ao último álbum da cantora. Depois de apresentar uma sonoridade mais acessível e ainda flertar com o R&B no mediano Taiga (2014), a cantora assume na recém-lançada Compass um completo detalhamento do mesmo tipo de sonoridade. Lado B do novo single de Nika Danilova, Hunger, a inédita criação parece seguir a trilha de Dangerous Days e Go, um meio termo entre as vocalizações de Florence Welch no último disco do Florence + The Machine, ao mesmo tempo em que ecos de Lady Gaga (!) ecoam de forma involuntária em toda a criação.

Livre da ambientação “gótica” dos primeiros anos, Danilova continua a explorar elementos da música negra, a eletrônica característica dos anos 1990 e toda uma variedade de elementos sobrepostos que refletem uma produção típica do pop atual. Uma música que funciona dentro das pistas, mas parece se encaixar de forma ainda mais coesa em uma noite de tormentos melancólicos e separação. A estreia de Hunger (o single) está prevista para o dia 10 de fevereiro.

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Zola Jesus – Compass

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Pictureplane: “Hyper Real”

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Quase quatro anos depois de presentear o público com o ótimo Thee Physical – um dos 50 melhores discos internacionais de 2011 -, Pictureplane continua a manter segredo em relação ao terceiro oficial de sua carreira. Ainda que nenhum novo registro de estúdio esteja nos planos do produtor norte-americano, em se tratando do acervo de mixtapes, singles e remixes, a produção parece aumentar a cada dia.

Com o single Hyper Real, mais recente trabalho assinado por Pictureplane, toda a sonoridade “caótica” incorporada ao longo do álbum de 2011 abre espaço para um registro leve, nostálgico e curiosamente voltado ao pop. A estrutura da canção montada pelo produtor ainda é a mesma do último disco: um colagem nostálgica e autoral de diferentes temas musicais lançados entre os anos 1980 e 1990. Além da recém-lançada composição, Pictureplane reserva outra faixa inédita, Total Confusion, música esta que ainda conta com a partipação do rapper Antwon.

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Pictureplane – Hyper Real

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Disco: “Blackheart”, Dawn Richard

Dawn Richard
Electronic/R&B/Soul
https://www.facebook.com/DawnRichard

Dawn Richard sempre investiu em uma sonoridade autoral, distante do pop-R&B-soul que caracteriza grande grande parte da produção estadunidense. Basta observar no trabalho com as parceiras do Danity Kane, em que músicas divididas entre a cantora e diferentes produtores – caso de Strip Tease e Lights Out – esboçavam um maior refinamento quando comparadas ao restante da obra. Mais uma vez em carreira solo, agora com o terceiro álbum em mãos, Richard continua a desvendar a própria essência, articulando temas e confissões intimistas como o elemento central de Blackheart (2015, Our Down).

Originalmente previsto para outubro de 2013, porém, adiado por conta das gravações de DK3 (2014), terceiro e último álbum do Danity Kane, Blackheart parece ser o trabalho em que Richard mais se concentra em testar os próprios limites – sejam eles rítmicos, líricos ou vocais. Tão próxima da década de 1990 como íntima da recente safra do Soul/R&B, a cantora imediatamente se converte em um instrumento flexível, dançando de forma sutil aos comandos de Noisecastle III, produtor central do registro.

Volátil e ainda acomodada em uma estrutura homogênea, como um cercado instrumental de bordas bem definidas, Richard interpreta Blackheart como uma adaptação obscura da mesma colisão de ritmos apresentados em Armor On EP, de 2012. Uma massa leve de R&B, soul, Drum and Bass e elementos da House Music que aproximam (musicalmente) todas as faixas do disco. Parte expressiva desse resultado está na participação de Richard como co-produtora da obra, ocupando cada lacuna ou possível quebra entre as canções.

Com a voz limpa, acompanhada apenas de bases minimalistas e um arranjo de cordas comportado, a inaugural Noir parece resumir e ainda estabelece toda a sequência de regras para as canções tecidas ao longo do disco. “Eu pensei ter perdido tudo / Eu percebo que lágrimas cairão… Tentando encontrar o meu caminho“, partindo de um explícito ato de confissão, Richard acomoda o ouvinte na base sorumbática do álbum, oficialmente, a segunda parte da trilogia The Black Era, uma conceitual obra de separação inaugurada em Goldeheart (2013). Continue reading

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Disco: “Vulnicura”, Björk

Björk
Electronic/Experimental/Female Vocalists
http://bjork.com/

O sofrimento sempre esteve diluído em cada novo registro de Björk. Seja de forma maquiada, dentro dos limites anárquicos do KUKL, ou de maneira explícita, na melancolia confessional de Unravel e All Is Full Of Love, mergulhar nos trabalhos da artista islandesa é o mesmo que sufocar em meio a tormentos sentimentais tão centrados na vida da compositora, como íntimos do próprio ouvinte. Todavia, mesmo a completa previsibilidade dos atos e emoções parece corrompida ao esbarrar nos versos amargos de Vulnicura (2014, One Little Indian). Uma peça ainda marcada pelo mesmo caráter conceitual/temático dos grandes álbuns de Björk, porém, tão honesta e liricamente explícita, que mais parece uma curva isolada dentro da trajetória da cantora.

Como um espinho doloroso, incômodo e que precisa ser arrancado, o nono álbum de estúdio de Björk foi posto para fora em pouquíssimos meses. Do anúncio (não oficial), em setembro de 2014, até o lançamento da obra, em janeiro de 2015 – forçado pelo vazamento precoce do trabalho na internet -, foram pouco mais de quatro meses, um prazo curto dentro dos padrões da cantora – em extensa turnê desde o álbum Biophilia, em 2011. O motivo de tamanha urgência? A separação de Björk e Matthew Barney, parceiro da cantora na última década e o principal tempero para a matéria-prima que explode em soluços angustiados por todo o registro.

Longe das batidas tribais lançadas em Volta (2007) ou do minimalismo eletrônico apresentado em Biophilia (2011), Vulnicura se projeta como um trabalho denso e sensível. A julgar pelo arranjo de cordas que abre o disco em Stonemilker, todo o esforço de Arca, produtor central da obra, se concentra em resgatar o mesmo clima doloroso aprimorado pela cantora a partir do clássico Post, em 1995. Batidas arrastadas, bases orquestrais e arranjos eletrônicos corroídos pela tristeza; mais do que uma simples obra de separação, Björk assume ao longo do trabalho o exorcismo dos próprios sentimentos. Uma continua extração de cada farpa, dor e tormento acumulado nos últimos anos.

Todo esse efeito doloroso resulta em uma obra hermética, como se um mesmo tema – a separação de Björk e Matthew Barney – fosse fragmentado em detalhados atos específicos. Não por acaso, diversas canções ao longo do álbum ultrapassam os limites típicos de uma música “comercial”. Faixas como Atom Dance e Family – esta última, produzida por The Haxan Cloak -, com mais de oito minutos de duração, ou mesmo a extensa Black Lake, dez instáveis minutos em que os vocais de Björk são moldados lentamente dentro do vasto campo eletrônico da composição. Continue reading

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