Guitarras sujas, maquiadas pelo uso controlado das distorções, vozes em coro e aquela atmosfera típica da década de 1990. Quem acompanha toda a frente de artistas inspirados pelo som produzido há mais de duas décadas precisa conhecer o trabalho da cantora Stef Chura. Na trilha de coletivos como Speedy Ortiz, LVL UP e Waxahatchee, a guitarrista de Michigan reserva para o começo do próximo ano a chegada do primeiro álbum de estúdio: Messes (2017).

Meses após o lançamento da ótima Slow Motion, canção entregue ao público em janeiro deste ano, Chura está de volta com uma nova (e pegajosa) composição. Em Spotted Gold, versos marcados pelo sarcasmo servem de base para a instrumentação descompromissada da artista. Guitarras e batidas leves que dialogam ao fundo com o som litorâneo dos anos 1960. Junto da canção, um divertido clipe que conta com a direção de Fidel Ruiz-Healy e Ambar Navarro.

Messes (2017) será lançado no dia 27/01 via Urinal Cake Records.

 

Stef Chura – Spotted Gold

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Com o lançamento de Ladies Don’t Play Guitar, em agosto deste ano, Alaina Moore e o parceiro Patrick Riley indicaram o conceito sensível que deve orientar as canções do novo álbum de inéditas do Tennis. Intitulado Yours Conditionally (2017), o sucessor do bom Ritual in Repeat (2014) parece reforçar o conceito sentimental há tempos presente nas canções da dupla norte-americana, proposta que volta a se repetir da inédita In The Morning I’ll Be Better.

Marcada pela temática da devoção e completa entrega dentro de qualquer relacionamento, a canção de batidas e arranjos lentos se espalha de forma lenta e sufocante. Pouco mais de três minutos em que guitarras, teclados e vozes se espalham em meio a versos intimistas, românticos e dolorosos. No clipe da canção, uma nova viagem em direção ao passado. Paisagens e roupas que parecem ter saído de algum catálogo de roupas da década de 1970.

Yours Conditionally (2017) será lançado no dia 10/03 via Mutually Detrimental.

 

Tennis – In The Morning I’ll Be Better

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Artista: Dawn Richard
Gênero: Eletrônica, R&B, Alternativa
Acesse: http://www.dawnrichard.net/

 

Com o lançamento de Blackheart, em janeiro do último ano, Dawn Richard conseguiu atrair a atenção do público para a trilogia iniciada dois anos antes dentro do mediano Goldenheart (2013). Batidas e vozes frenéticas, versos melancólicos, o delicado flerte com o R&B, ambientações típicas da música eletrônica no começo dos anos 1990. Um imenso catálogo de ideias e referências que se completa com a chegada do novo registro de inéditas da cantora, o intenso Redemption (2016, Our Dawn Entertainment).

Terceiro e último capítulo da trilogia que explora diferentes aspectos do amor, separação e redenção, o álbum que conta com produção dividida entre Machinedrum e Noisecastle III talvez seja o trabalho mais acessível, pop, de toda a curta trajetória da cantora em carreira solo. Uma constante sensação de que todo o material produzido por Richard dentro do extinto coletivo Danity Kane foi resgatado e detalhado de forma coesa dentro do presente álbum.

A julgar pelo cuidado explícito na manipulação dos vocais e bases de Renegades e Love Under Lights, não seria um erro comparar o trabalho de Richard aos últimos lançamentos de Rihanna e Beyoncé. São temas eletrônicos que se dobram de forma a atender aos vocais da cantora, versátil durante a construção de cada fragmento de voz. Um tempero radiofônico que não apenas aproxima a artista das pistas, como de outros representantes de peso da música pop.

Interessante perceber que mesmo em busca de um som cada vez menos experimental, Richard e os parceiros de produção criam pequenas brechas, estabelecendo breves instantes de puro ineditismo. Produzida em parceria com o instrumentista Trombone Shorty, LA, quinta faixa do disco, talvez seja o melhor exemplo disso. Uma composição crescente, ponto de partida para a complexa interferência de sintetizadores tortos, além, claro, do inusitado uso de guitarras, instrumento sempre contido dentro da discografia de Richard.

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Artista: Weyes Blood
Gênero: Chamber Pop, Indie, Folk
Acesse: https://weyesblood.bandcamp.com/

 

Natalie Mering passou por um lento processo de amadurecimento nos últimos cinco anos. Do lançamento do primeiro disco como Weyes Blood, o obscuro The Outside Room (2011), passando pela produção de obras como The Innocents (2014) e até o EP Cardamom Times (2015), cada trabalho apresentado pela cantora e compositora nova-iorquina parece aproximar o público de um novo universo de possibilidades e temas instrumentais, proposta que se reforça com a chegada do doloroso Front Row Seat to Earth (2016, Mexican Summer).

Movida pela solidão, medos e saudade, Mering faz de cada composição ao longo do registro um claro exercício de exposição do próprio sofrimento. “Você precisa de mim do jeito que eu preciso de você? / Vamos ser sinceros para uma mudança / Você precisa de alguém? / Você precisa do meu amor?”, questiona em Do You Need My Love, um atormentado delírio confessional que resume com naturalidade a dor que abastece grande parte das canções do trabalho.

Em Seven Words, sétima faixa do disco, confissões românticas e versos marcados pelo sofrimento do eu lírico dançam sem pressa no interior da canção. “Com o tempo, ambos estaremos livres dessa bola com correntes … Quando a poeira baixar / E você esquecer que eu estava aqui / Esperando / Pendurada”, canta enquanto uma delicada cortina instrumental desce e cobre toda a base da canção, reforçando a temática dolorosa que Mering usa para dialogar com o ouvinte.

Nos poucos instantes em que a poesia romântica do trabalho deixa de ser um objeto de destaque, a cantora se concentra na produção de faixas que dialogam com o presente. É o caso de Generation Why, música que a artista discute a artificialidade da vida digital e os excessos da geração Y – os Millennials. “Leve-me através das ondas de mudança / Eu sei o meu lugar / É uma coisa bonita / Y-O-L-O, por quê? / Y-O-L-O, por quê? / Y-O-L-O, por quê?”, entrega a letra da canção.

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Artista: Tássia Reis
Gênero: Hip-Hop, Soul, R&B
Acesse: https://soundcloud.com/t-ssia-reis

 

Confundindo Sábios (2013) de Rashid ou Autorretrato de Nego E (2014), Quixote (2015) de Fino du Rap ou mesmo o recente Remonta (2016) do coletivo Liniker e os Caramelows. Se existe algum grande álbum brasileiro de Hip-Hop/Soul lançado nos últimos anos, basta um ouvido atento para perceber a delicada voz de Tássia Reis entre as composições. Um canto essencialmente doce, mas que se transforma em poesia política e versos marcados pelo empoderamento feminino dentro do novo registro de inéditas da cantora: Outra Esfera (2016, Independente).

A revolução será crespa / E não na TV / A revolução será crespa / Doa a quem doer”, rima em Ouça-Me, música que nasce como uma espécie de síntese do material produzido pela artista durante toda a obra. Versos que escapam do universo intimista de Reis (“Eu tentei falar baixinho, mas ninguém me ouviu”), dialogam com a questão racial (“Meu rap é crespo! Melanina nesse rolê”) e ainda reforçam o peso da cantora como um dos principais nomes da nossa música (“Se não me dão valor, cês vão pagar muito caro pra ver”).

Em Da Lama/Afrontamento, quinta faixa do disco, o peso político e social das rimas. “É revoltante e alarmante / Como eu me sinto impotente / E ainda me acho importante / Eu só quero ser decente, ser relevante”, explode Reis, abrindo espaço para a precisa interferência da convidada Stefanie MC – “Vejo pedras preciosas no meio do lamaçal / Muita gente conformada com o serviço braçal / Só conseguem se enxergar na posição de serviçal / Sendo pau mandado de um ser humano boçal”. Um jogo de rimas que atravessam diferentes aspectos, histórias e personagens da periferia.

Pontuado por pequenos respiros, o álbum ainda cria espaço para expressão do lado mais sonhador de Reis. “Tão solta quanto o vento indica / Voando por onde se quer e vai querer / Ninguém manda na tua vida / Ela criou um jeito novo de viver”, canta em Desapegada, música que discute sentimentos, empoderamento e a libertação da mulher de forma sutil, por vezes metafórica. Um estímulo para a ambientação pop de Semana Vem, faixa embalada pelo reggae e uma curiosa interpretação da artista sobre a temática dos relacionamentos abusivos.

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É difícil não se emocionar com o trabalho produzido por Natalie Mering. Cantora e compositora responsável pelo Weyes Blood, a artista norte-americana reserva para o meio de outubro a chegada do segundo álbum de inéditas da carreira, Front Row Seat To Earth (2016). Sucessor dos elogiados The Innocents (2014) e Cardamom Times EP, este último, lançado há pouco menos de um ano, o aguardado registro acaba de ter mais uma de suas canções reveladas ao público: Do You Need My Love.

Marcada pelos detalhes, a nova faixa confirma a travessia de Mering pelo som produzido no meio da década de 1970, proposta anunciada durante o lançamento deSeven Worlds, há poucas semanas, porém, reforçada com naturalidade dentro da presente faixa. Um ato extenso, íntimo dos trabalhos de Karen Dalton. Pouco mais de seis minutos em que a cantora explora de forma melancólica os próprios sentimentos, mergulha em um oceano de temas orquestrais e vozes em coro, revelando ao público uma de suas composições mais delicadas. O clipe da canção conta com direção de Natalie Mering.

Front Row Seat To Earth (2016) será lançado no dia 21/10 via Mexican Summer.

Weyes Blood – Do You Need My Love

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É difícil não se emocionar com o trabalho produzido por Natalie Mering. Cantora e compositora responsável pelo Weyes Blood, a artista norte-americana reserva para o meio de outubro a chegada do segundo álbum de inéditas da carreira, Front Row Seat To Earth (2016). Sucessor dos elogiados The Innocents (2014) e Cardamom Times EP, este último, lançado há pouco menos de um ano, o aguardado registro acaba de ter mais uma de suas canções reveladas ao público: Do You Need My Love.

Marcada pelos detalhes, a nova faixa confirma a travessia de Mering pelo som produzido no meio da década de 1970, proposta anunciada durante o lançamento de Seven Worlds, há poucas semanas, porém, reforçada com naturalidade dentro da presente faixa. Um ato extenso, íntimo dos trabalhos de Karen Dalton. Pouco mais de seis minutos em que a cantora explora de forma melancólica os próprios sentimentos, mergulha em um oceano de temas orquestrais e vozes em coro, revelando ao público uma de suas composições mais delicadas.

Front Row Seat To Earth (2016) será lançado no dia 21/10 via Mexican Summer.

 

Weyes Blood – Do You Need My Love

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Artista: Angel Olsen
Gênero: Indie, Folk, Alternativo
Acesse: http://angelolsen.com/

 

Versos sufocados de forma explícita pelo sentimentos – “Eu vou me apaixonar por você um dia desses / Eu vou me apaixonar e fugir”; sintetizadores e ambientações eletrônicas, sempre contidas, como um reforço para a delicada construção dos vocais. Com o lançamento de Intern, em junho deste ano, Angel Olsen não apenas conseguiu se distanciar das canções produzidas para o elogiado Burn Your Fire for No Witness, de 2014, como parecia indicar a busca por um novo catálogo de sonoridades, conceitos e temas confessionais.

Em My Woman (2016, Jagjaguwar), terceiro registro em estúdio da cantora, pela primeira vez desde o inaugural Half Way Home, de 2012, Olsen deixa de se apresentar ao público como a figura central do trabalho, interpretando diferentes personagens e histórias entristecidas ao longo da obra. Uma mudança que se faz evidente tanto na sonoridade que rege o disco, costurada por temas eletrônicos e guitarras firmes, como na imagem adotada pela artista para os vídeos de Intern e Shut Up an Kiss Me.

Por falar em Shut Up Kiss Me, nítida é a busca da cantora por um som comercialmente acessível, pop. Entre versos que descrevem o desejo ardente do eu lírico – “Cale a boca, me beije e me amarre com força” –, Olsen detalha uma seleção de guitarras encorpadas por melodias sujas, por vezes íntimas do mesmo som produzido por Liz Phair e PJ Harvey no começo dos anos 1990. Um claro amadurecimento do material apresentado em faixas como Unfucktheworld e Forgiven/Forgotten, do disco anterior.

A mesma estrutura acessível acaba se repetindo em diversos momentos ao longo da obra. Em Never Be Mine, segunda canção do disco, o folk nostálgico de Burn Your Fire for No Witness pouco a pouco converte em uma canção pegajosa, movida pelo uso de versos entristecidos – “Você nunca será meu”. Um completo oposto da temática que chega logo em sequência com a raivosa Give It Up – “Eu desisti de tudo por você” – e Not Gonna Kill You – “Você não vai quebrar / ele só vai mexer com você”.

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Artista: Carne Doce
Gênero: Indie, Rock Alternativo, Rock Psicodélico
Acesse: http://carnedoce.com/

Fotos: Rodrigo Gianesi

O caminho percorrido pelo Carne Doce em Princesa (2016, Independente) está longe de parecer o mesmo do trabalho que apresentou a banda em 2014. Ainda que a essência psicodélica do quinteto de Goiânia seja preservada em cada uma das canções do novo álbum, sobrevive na poesia feminista de Salma Jô, sussurros intimistas e instantes de puro experimento a base do presente trabalho. Uma colisão de fórmulas, ruídos e temas propositadamente instáveis, como se para além de um possível amadurecimento e da famigerada “prova do segundo disco”, o grupo continuasse a se reinventar.

Sem pressa, o novo álbum se espalha preguiçoso, detalhando cada fragmento de voz, batida ou acorde que escapa das guitarras de Macloys Aquino e João Victor Santana. Das 11 composições que preenchem o registro, quatro ultrapassam os seis minutos de duração, como se parte das ambientações testadas pela banda nas apresentações ao vivo fossem incorporadas em estúdio. Da abertura do disco, em Cetapensâno, passando por músicas como Carne Lab e Açaí, o grupo – completo com os músicos Ricardo Machado e Aderson Maia –, parece seguir em uma medida própria de tempo.

Esqueça o ritmo crescente de Serão Urbano e toda a aceleração que movimenta faixas como Passivo e a colorida Fruta Elétrica. Em Princesa, mesmo as canções mais “urgentes” do trabalho se perdem em meio a distorções, vozes maquiadas pelo forte uso de efeitos e instantes de completa incerteza. Uma clara mudança de direção que perturba pelo uso de músicas exageradamente extensas – vide Carne Lab, um imenso bloco com 10 minutos de duração bem no centro do álbum –, mas que acaba convencendo pela capacidade do grupo em não se repetir.

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Ponto central do disco, a poesia de Salma Jô se transforma e cresce durante toda a construção da obra. Bom exemplo disso está nos versos de Artemísia, música que discute de forma provocativa a temática do aborto, interpretando de maneira divina a responsabilidade assumida pelas mulheres. “Artemísia é a ideia de ‘meu corpo minhas regras’ levada ao máximo, ao ponto de ser assumidamente fantasioso, como se a dona do corpo fosse Deus. Quando nesta situação de decidir por um aborto, mesmo mulheres de muita fé escolhem romper com Deus por um momento, escolhem ser elas as maiores autoridades sobre as próprias vidas”, explicou em entrevista.

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Original da cidade Montreal, no Canadá, Helena Deland (guitarra, voz) é uma cantora de Dream Pop/Folk responsável por algumas das canções mais dolorosas da recente safra da música canadense. Acompanhada de perto pelos parceiros de banda Mathieu Bérubé (guitarras), Francis Ledoux (bateria) e Alexandre Larin (baixo), a artista apresenta ao público mais um novo registro de inéditas, o EP de apenas quatro faixas Drawing Room (2016).

Entre as canções já apresentadas pela cantora, a dobradinha formada por Baby e Axis. Exemplares do romantismo doloroso que caracteriza o trabalho da cantora. Duas composições completamente distintas, afinal, enquanto Baby se espalha dramática, revelando a mesma melancolia de artistas como Sharon van Etten e Cat Power, Axis surge quase sorridente, mergulhando em uma sequência de guitarras rápidas, quase ensolaradas.

Helena Deland – Baby

Helena Deland – Axis

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