Resenhas | Miojo Indie

MØ
Danish/Indie Pop/Female Vocalists
http://www.momomoyouth.com/

Por: Cleber Facchi

No Mythologies to Follow (2014, RCA) é um verdadeiro mosaico de referências. Registro de estreia da cantora dinamarquesa MØ, o álbum vai além do catálogo de experiências recentes exaltadas pela artista. Trata-se de uma obra que pula os limites anunciados em Bikini Daze EP (2013), rompe com as primeiras composições da jovem cantora e reflete com exatidão grande parte das emanações que ocupam a música atual. Um misto de eletrônica, pop, Hip-Hop e outras reverberações sutis que aos poucos edificam toda a base da artista.

Como se cada música do disco fosse um objeto específico, a ser observado individualmente, MØ atravessa as diferentes tendências da obra em um único sentido: encontrar a própria orientação estética. Ressuscitando velhas músicas conhecidas, caso de Maiden de 2012, Pilgrim e Glass de 2013, a cantora vai aos poucos cercando o espectador com um registro nostálgico e ainda assim marcado pelo ineditismo. Um passo entre lá e cá que acaba caindo na dança (XXX 88), ecoa melancolia (Dust Is Gone) e ainda abraça o grande público (Don’t Wanna Dance).

A comunicação com a obra de artistas como Purity Ring (Dust Is Gone), Santigold (Fire Rides) e, principalmente, Lykke Li (Never Wanna Know) é apenas um passo para alcançar o território particular da dinamarquesa. Brincando com a colagem de referências, MØ aos poucos fragmenta a arquitetura de outros projetos para estabelecer uma massa de sons autorais. É como se todas as tendências instaladas em faixas como Waste Of Time fossem a chave para entender o universo da cantora. No Mythologies to Follow é um trabalho que não esconde suas experiências, pelo contrário, obriga que o espectador desvende cada uma delas.

Ao mesmo tempo em que soa próxima de uma variedade de artistas, com o lançamento do debut, MØ parece amarrar as pontas soltas de uma sequência de outras obras. Enquanto Waste Of Time é tudo aquilo que Lana Del Rey poderia ter realizado em Born To Die (2012), Slow Love brinca com os exageros da década de 1980 em uma estrutura renovada – contrária ao conforto de um catálogo recente de obras. Uma constante sensação de “arrumar” o que deu errado e ao mesmo tempo transformar a música de outros artistas em um resultado próprio da cantora. Continue reading →

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Disco: “Cassettes”, Cadu Tenório

Cadu Tenório
Experimental/Ambient/Post-Industrial
http://sinewave.com.br/

Por: Cleber Facchi

Cadu Tenório

As trevas dançam nas mãos de Cadu Tenório. Em uma constante travessia por um cenário de ruídos, sobreposições e arranjos que mergulham em ambientes essencialmente sombrios, o músico carioca alcança o “primeiro trabalho solo” em um exercício autêntico de (mais uma vez) brincar com as interpretações do espectador. Catálogo curto de memórias e sons acumulados ao longo dos anos de forma artesanal, Cassettes (2014, Sinewave) é um disco que não apenas expande os domínios acinzentados da obra do artista, como mais uma vez perverte as redundâncias do gênero em um trabalho que foge do conforto.

Em um sentido de quebra da sequência de trabalhos que vem desenvolvendo nos últimos anos – entre eles os álbuns ao lado do Sobre a Máquina, além dos registros paralelos com o VICTIM! e Ceticências -, Tenório utiliza da presente obra como um cenário de constante experimento. São apenas quatro composições - Prematuro, Valsa, Redoma e Ventre -, cada uma delas apoiada em um sentido estético específico, como uma colagem das diferentes referências e até mesmo regras que compõem o universo autoral do músico.

Orientado pela massa (quase) intransponível da extensa Prematuro, faixa de abertura do álbum, o carioca se perde em um ambiente em que violinos, vozes e sintetizadores se comportam como um só organismo. São paredões cíclicos que mais parecem um bloco de ruídos sedimentados. Contrariando o efeito exposto em Lua (2013), último registro em estúdio do Ceticências, Tenório foge da fluência regular e sintética das canções. Como os quase 13 minutos da música revelam, tudo é entregue de forma orgânica, como se cada ruído vocal ou harmonia suja crescesse como parte natural da composição.

Como um respiro – ou talvez necessidade em provar a paciência do ouvinte -, Valsa e Redoma, no eixo central da obra, reforçam o lado mais econômico do trabalho. São pequenos agregados de ruídos caseiros que fazem valer a proposta do disco. Pontuadas pelas interrupções (parecem gravações aleatórias em uma fita cassete), cada música brinca com a capacidade de Tenório em produzir um conjunto de experiências climáticas, quase aconchegantes. Uma sensação de que toda a avalanche negra da faixa de abertura fosse resumida com leveza. Continue reading →

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Disco: “The Power And The Glory”, Perc

Perc
Experimental/Techno/Electronic
https://www.facebook.com/PercTrax
http://perctrax.bandcamp.com/

Por: Cleber Facchi

Perc

A música do britânico Ali Wells sempre foi encarada de forma perturbadora, não convencional. Ainda que mergulhado nas experiências estéticas da IDM/Techno concebida há duas décadas, o uso de ruídos sobrepostos, vozes dissolvidas e verdadeiras texturas eletrônicas sempre garantiram ao produtor uma sonoridade invasiva, como se cada música assinada encontrasse um território de pequenas transformações. É justamente isso que The Power And The Glory (2014, Perc Trax), mais recente álbum do produtor como Perc reforça em uma experiência particular.

Desenvolvido em uma sequência de dez faixas propositadamente instáveis, o presente álbum mais parece uma representação de tudo o que o produtor conquistou ao longo dos últimos anos. Mais conhecido pela sequência de músicas lançadas em singles, EPs e até coletâneas – próprias ou como convidado -, Wells usa do novo álbum como um mecanismo de descoberta para a própria obra. Faixas que atravessam a simples colisão de ruídos (Rotting Sound), para se transformar em uma experiência quase libertadora (Galloper).

Como se cada música fosse um objeto isolado dentro da imposição homogênea da própria obra, Perc faz do ziguezaguear pelo álbum um pequeno desafio. Enquanto músicas como David & George questionam as limitações da Ambient Techno, colecionando vozes e ruídos em um estágio de desordem, outras como Dumpster fazem com que os exageros da EDM se convertam em um objeto puramente sombrio de experimento. Uma constante divisão entre atender as exigências do público médio e ampliar o alcance da obra de Wells – sempre inclinado ao desprendimento estético.

Ainda que Rotting Sound, na abertura do disco, sirva como uma espécie de filtro para o ouvinte desavisado, à medida que The Power And The Glory se desenvolve, Wells parece “facilitar” as próprias experiências. Por mais complexo que seja o propósito do artista em diversos aspectos do disco, é difícil não se deixar seduzir por músicas como Take Your Body Off e Galloper. São composições que repetem as mesmas experiências conceituais da década de 1990, algo que o conterrâneo Zomby vem desenvolvendo desde Where Were U in ’92?, de 2008, porém, em uma estratégia muito menos óbvia e até mais desafiadora. Continue reading →

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Disco: “Joyland”, Trust

Trust
Electronic/Synthpop/Alternative
http://ttrustt.com/

Por: Cleber Facchi

Trust

Robert Alfons é um fanático pela década de 1980, mas isso é apenas um detalhe. Tendo na massa de elementos sintéticos lançados há três décadas um princípio de abastecimento para a própria obra, o músico/produtor canadense fez do primeiro álbum com o Trust, de 2012, um cenário evidente de experimento e forte descoberta. Em continuidade ao mesmo conjunto de referências lançadas há dois anos, o artista encontra no recém-lançado Joyland (2014, Arts & Crafts) um palco não apenas para ampliar as próprias possibilidades, mas um trabalho que o autoriza a brincar com todos os clichês e exageros musicais do passado.

Como Slightly Floating, faixa de abertura logo identifica, Alfons está (mais uma vez) posicionado em algum lugar entre o fim dos anos 1970 e o começo da década seguinte. O nascimento do Depeche Mode, a explosão sombria da música gótica e a crescente expansão do pós-Punk inglês se misturam lentamente com a massa de sons climáticos projetada pelo artista. Um passo que se divide entre as pistas (Geryon) e a melancolia quase mórbida dos sintetizadores (Are we Arc?) ao longo de toda a obra.

Menos tímido do que no trabalho passado, o canadense firma na presente obra a construção de um registro íntimo do público médio. Como Capitol identifica logo na abertura e as demais faixas seguem no restante do disco, o planejamento atento das vozes abre espaço para que versos, mesmo simples, cheguem com presença até o espectador. É difícil não se deixar seduzir enquanto o jogo dinâmico das harmonias circunda e alimenta o refrão, mecanismo antes “limitado” dentro do posicionamento Lo-Fi que orienta o álbum de 2012.

A julgar pela forma como o pop circunda diversas composições do disco, caso explícito de Geryon e da própria faixa-título, Alfons encontra em Joyland uma obra que busca simplificar aspectos do trabalho anterior. Ainda que canções aos moldes de Dressed For Space fossem capazes de dialogar com a mesma atomosfera comercial do recente álbum, outras como Bulbform parecem reforçar todo o enclausuramento da obra. Seja ao brincar com a colagem de sons (Four Gut), ou produzindo uma canção essencialmente dançante (Peer Pressure), a leveza predomina no trabalho do produtor. Continue reading →

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Disco: “Tomorrow’s Hits”, The Men

The Men
Rock/Alternative/Psychedelic
http://www.sacredbonesrecords.com/

Por: Cleber Facchi

The Men

Parece difícil acreditar que a nova-iorquina The Men um dia foi considerada uma banda Punk. Cada vez mais distante do começo de carreira barulhento e marcado pela aceleração das guitarras, o quinteto original do Brooklyn alcança o quinto trabalho de estúdio em um sentido de evidente posicionamento estético. Arquitetando de vez os alicerces no rock clássico dos anos 1970, o grupo assume no recém-lançado Tomorrow’s Hits (2014, Sacred Bones) um ponto final na série de transformações seguidas desde a ruptura exposta em Open Your Heart (2012).

Obra mais dinâmica e acessível apresentada pelo grupo (até agora), o trabalho firma em cada faixa um objeto de diálogo preciso com o público. São composições que assumem o esforço de uma trilha sonora para uma noite de bebedeira (Another Night), até faixas em que a precisão das guitarras parece resgatar a crueza exposta na fase inicial do quinteto (Different Days). O típico caso de um disco que se acomoda na simplicidade das fórmulas e arranjos, sem necessariamente fazer disso um caminho garantido para a banalidade dos sons.

Desenvolvido como uma evidente sequência do trabalho anterior, New Moon, de 2013, o novo álbum não apenas garante continuidade aos sons testados há poucos meses, como autoriza o grupo a provar de novas experiências musicais. Enquanto o álbum passado fazia de músicas como I Saw Her Face e Supermoon uma direta comunicação com o Psych Rock da década de 1970, com o novo álbum a banda amplia os próprios limites. Músicas como Sleepless, que abraçam o Country, e até faixas como Pearly Gates, em que as experiências do Rockabilly são encaradas de frente, se manifestam por toda a obra.

Ainda que o título do álbum, Tomorrow’s Hits – Hits do Amanhã, em português – possa ser observado de forma irônica, tamanha a comunicação com os sons e referências do passado, não poderia existir um título mais assertivo para o novo álbum dos nova-iorquinos. A julgar como cada composição absorve aspectos específicos da música lançada há quatro ou cinco décadas, o novo álbum do The Men nada mais é do que uma coletânea empoeirada. Uma espécie de The Best Of dos anos 1960/1970 e que viajou no tempo até alcançar o presente. Continue reading →

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Disco: “Atlas”, Real Estate

Real Estate
Indie/Alternative/Jangle Pop
http://www.realestatetheband.com/

Por: Cleber Facchi

Real Estate

A nostalgia impera na construção melódica de Atlas (2014, Domino), terceiro trabalho de estúdio da banda Real Estate. Em uma composição sequencial ao exercício exposto inicialmente em Days (2011), o novo álbum do grupo de Ridgewood, Nova Jersey, substitui as climatizações litorâneas e a psicodelia explorada desde o primeiro disco, de 2009, para abraçar de vez o teor urbano dos temas e arranjos. Coerentemente simples, mas ainda assim amplo em se tratando dos versos que o definem, o álbum se abre como um catálogo breve de canções de amor e temas cotidianos, princípio para a herança revitalizada do Jangle Pop assumido nos anos 1980.

Esculpidas de forma aconchegante, cada composição do disco se acomoda em meio a bases cíclicas, vozes acolhedoras e uma sequência de arranjos essencialmente detalhistas. São guitarras desenvolvidas em proximidade aos vocais, preferência que repete a boa fase de bandas como R.E.M. e The Replacements há três décadas, sem necessariamente ocultar a autonomia do grupo – evidente desde a lisergia Lo-Fi do primeiro álbum. Atlas, como o disco anterior parecia confirmar, é uma obra desenvolvida em um território próprio de letras e arranjos, um fenômeno particular, mas que se comunica diretamente com o ouvinte.

“Eu não quero morrer/ solitário e cansado/ Fique comigo/ Tudo será revelado”. Tendo como base o refrão pronto de Crime, sexta faixa do disco, é possível observar todo o conjunto de emanações confessionais que definem o presente álbum. São criações simples de amor, como em Talking Backwards (“Quando a noite acabou/ E o campo foi iluminado brilhante/ E eu voltava para casa com você”), ou mesmo faixas em que a ausência de voz não interfere na sensibilidade exposta pelo disco – caso da instrumental April’s Song. Como Days já havia iniciado, Atlas é um trabalho que se sustenta pela diversidade de histórias e temas entregues por cada colaborador.

Enquanto os dois primeiros registros pareciam movidos por instantes, como a crescente pop de It’s Real em Days, ou as guitarras acolhedoras de Fake Blues no álbum de 2009, com o novo disco, pela primeira vez a banda entrega um álbum que parece desenvolvido em uma assertividade homogênea. Cada composição do disco parece servir como um caminho seguro para a formação da música seguinte, efetividade que amarra as confissões de Primitive ou a melancolia de Past Lives em um mesmo universo. Um sentido pleno de entrega e relação que em nenhum momento foge dos limites do grupo. Continue reading →

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Disco: “Present Tense”, Wild Beasts

Wild Beasts
Indie/Alternative/Experimental
http://wild-beasts.co.uk/

Por: Cleber Facchi

A comodidade parece constantemente provocada dentro dos trabalhos da banda Wild Beasts. Incapaz de seguir a trilha programada do rock inglês, o quarteto de Kendal, Inglaterra vem desde a segunda metade dos anos 2000 em uma colagem instável de referências, sons e versos. Um mecanismo que se apresenta em meio a contornos formais, mas instável dentro de qualquer zona de conforto aparente. Depois de solucionar pontualmente as próprias experiências dentro da obra-prima Smother, de 2011, com a chegada do quarto trabalho de estúdio a banda parece se perguntar: qual direção seguir agora?

Invariavelmente orquestrado como uma continuação do álbum lançado há três anos, Present Tense (2014, Domino) é a construção de um novo universo dentro dos próprios limites do grupo. Valendo de um mesmo conjunto de preferências conceituais – como a música minimalista dos anos 1970, o existencialismo de Clarice Lispector e fragmentos da eletrônica atual -, a banda britânica fixa no reposicionamento das ideias um palco para as possibilidades. Uma estratégia inteligente em caminhar pelas sombras do disco passado, para revelar nuances antes inéditas dentro da obra do grupo.

Tão homogêneo quanto o disco que o antecede, o novo álbum usa da forte aproximação entre as músicas como um estimulo para a movimentação da obra. Tendo em Wanderlust, faixa de abertura, uma continuação de Smother e o caminho para o atual projeto, todas as bases e referências da banda são aos poucos alinhadas. A começar pelos sintetizadores, mais uma vez próximos da influencia declarada, a dupla Fuck Buttons, cada composição do disco se acomoda em meio a transições etéreas e ainda assim precisas. Um diálogo atípico que atravessa a essência de Steve Reich (já explorada no disco anterior) para mergulhar em aspectos específicos do novo Dream Pop. Depois de influenciar todo um time de artistas conterrâneos – entre eles Everything Everything e Alt-J -, a banda parece pronta para formar todo um novo conjunto de seguidores.

A julgar pelo catálogo crescente de singles – Wanderlust, Mecca, Sweet Spot e A Dog’s Life -, Present Tense talvez seja a obra mais descomplicada lançada pela banda. Cruzando a sensibilidade exposta em Two Dancers (2009), com a precisão instrumental do disco anterior, cada música cresce com liberdade em um cenário em que a dor é um mecanismo de atração. É difícil não se deixar conduzir pelo romantismo melancólico de Palace (“Você lembra a pessoa que eu queria ser”) ou o desespero em Mecca (“Nós nos movemos no medo, nós nos movemos no desejo/ Agora eu sei como você se sente”), faixas que ampliam a sensibilidade das primeiras canções lançadas pela banda. Continue reading →

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Disco: “Oxymoron”, SchoolBoy Q

SchoolBoy Q
Hip-Hop/Rap/West Coast Rap
http://www.txdxe.com/

Por: Cleber Facchi

SchoolBoy Q

Sobriedade e exagero se encontram no interior de Oxymoron (2014, Top Dawg/Interscope). Passo seguro dentro da carreira de SchoolBoy Q, o novo álbum é mais do que a entrada definitiva do rapper em um grande selo – a Interscope, um dos braços da Universal Music -, mas um disco que reforça o pleno domínio do artista em um cenário de temas, arranjos e versos particulares. Seguindo a trilha lisérgica de Habits & Contradictions (2012), com o presente disco Q ultrapassa os limites de um simples “exercício de criação”, chegando aos ouvintes como a apresentação definitiva de sua obra em um território domindo por gigantes.

Previsto para estrear ainda em 2013, Oxymoron demorou a ser lançado por conta de problemas na liberação do samples de algumas músicas. Uma lenta espera que irritou o rapper, testou a paciência dos fãs, mas serviu para um instrumento perfeito para um melhor delineamento de cada composição. Contrariando o caráter artesanal dos dois primeiros discos do rapper, que além do álbum de 2012 conta com a mixtape Setbacks (2011), o novo álbum pode ser apresentado como o primeiro registro em estúdio de Q, tratamento evidente na massa límpida de sons, bases e imposições seguras que se espalham de forma plástica até a última música.

Tão logo foi lançado, Good Kid, M.A.A.D City (2012), registro que apresentou oficialmente Kendrick Lamar, acabou caracterizado como o novo “The Chronic”. A referência obvia ao maior disco de Dr. Dre não está apenas na presença do veterano quanto produtor executivo da obra, mas na forte comunicação estética entre os trabalhos. Curioso observar como a mesma ciclicidade e influência parece orquestrar a presente obra de SchoolBoy Q. Todavia, enquanto Lamar foi em busca do personagem de maior influência do período, Q abraçou o descompromisso de Snoopp Dog, parceiro apresentado por Dre no álbum de 1992, mas que foi oficialmente lançado no chapado Doggystyle (1993).

A julgar pelas peças lisérgicas escolhidas pelo rapper em Oxymoron, boa parte das canções assumem o mesmo tratamento imposto pelo veterano há duas décadas. Porém, enquanto Dogg se acomoda em uma densa marofa, cruzando rimas e baforadas em um mesmo propósito “conceitual”, a preferência de Schoolboy pelas drogas sintéticas transporta o disco para um novo estágio. Instável, o álbum alucina por entre faixas essencialmente frenéticas (Collard Greens) e composições amenas, quase letárgicas (What They Want). Uma inconstância que se comunica com a formação paradoxal do título e brinca com a interpretação do rapper, criador de um cenário em que a loucura e a insanidade se confundem o tempo todo. Continue reading →

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Disco: “Blank Project”, Neneh Cherry

Neneh Cherry
Electronic/Female Vocalists/Trip-Hop
http://nenehcherry.com/

Por: Cleber Facchi

É um erro encarar os 18 anos que separam Man (1996), terceiro registro em estúdio da cantora Neneh Cherry, de seu sucessor, o recém-lançado Blank Project (2014, Smalltown Supersound). Ainda que o distanciamento entre um trabalho e outro tenha acrescentado uma vírgula extensa aos inventos em carreira solo da artista sueca, Cherry, diferente de tantos músicos que mergulham no silêncio e no isolamento autoral, aproveitou como poucos o período de “férias” e todo esse distanciamento da própria obra.

Como se não bastassem as interferências em registros tão opostos quanto Love Box (2002) do Groove Armada e Demon Days (2005) do Gorillaz, desde 2006 a cantora é parte importante do CirKus, coletivo de Trip-Hop que, entre outros nomes, conta com Burt Ford (Massive Attack, Portishead) como um dos principais organizadores. Os pequenos desdobramentos e rápidas colaborações se estendem até The Cherry Thing, parceria com o grupo norueguês The Thing lançada em 2012 e faísca para a explosão controlada que parece alimentar a presente obra da cantora.

Continuando exatamente de onde parou em 1996, porém, atenta aos desdobramentos recentes dos gêneros que a apresentaram, Cherry dança por um conjunto de referências atuais, mas ainda assim pontuadas pela nostalgia. São músicas como Across the Water, logo na abertura do disco, que se relacionam com toda a intimidade melancólico dos primeiros inventos da cantora, ao mesmo tempo em que outras, como a faixa-título, anunciam uma liberdade poucas vezes vista dentro da obra de Cherry. Um constante cruzamento entre passado e presente que organiza toda a atmosfera do disco.

Tão confessional quanto qualquer outro registro da cantora, Blank Project é um trabalho em que a maturidade de Cherry se converte como uma ferramenta extra para a formação do projeto. Matéria-prima do próprio disco, a artista usa de músicas como Naked ou mesmo da própria faixa-título como um reforço da individualidade lírica do registro, entretanto, são os versos de Everything, faixa de encerramento da obra que Cherry se revela em essência: “Eu gostaria de vê-lo/ Ter me divertido/ Se você puder/ Eu olho para você/ Mas sou eu que vejo”. Continue reading →

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Disco: “Morning Phase”, Beck

Beck
Alternative/Indie/Singer-Songwriter
http://www.beck.com/

Por: Cleber Facchi

Beck

Cycle, faixa de abertura de Morning Phase (2014, Fonograf/Capitol) não carrega esse título por acaso. Trabalhado como um evidente retorno ao universo melancólico de Sea Change, álbum clássico de Beck lançado em 2002, o 12º trabalho em estúdio do músico californiano se manifesta em um típico esforço de maturidade e melancolia regressa. Um propósito reconstruído em meio arranjos divididos entre a candura e a densidade, mas, que acima de tudo, mergulham com novidade em sensações há tempos ocultas pelo compositor.

Doloroso em essência, o presente disco é uma tentativa do “novo” Beck em olhar com evidente sobriedade para o passado, uma espécie de comprovação da própria liberdade. Boa parte das canções – caso de Morning e Blackbird Chain – se valem dos mesmos arranjos, harmonias e tramas acústicas lançadas no melancólico disco de 2002. Uma extensão que soterra (temporariamente) as pequenas invenções lançadas em Guero (2005), The Information (2006) e Modern Guilt (2008), últimos e completamente opostos trabalhos de estúdio do cantor.

Assim como em Sea Change, o novo álbum funciona dentro de um cenário propositalmente hermético, incomunicável quando próximo dos anteriores inventos do músico – principalmente aqueles lançados nos anos 1990. Longe da trama torta de beats, bases marcadas pelo groove e flertes com o Hip-Hop, Beck desenvolve um disco homogêneo, uma obra em que cada composição serve de princípio para o nascimento da faixa seguinte. Trata-se de um disco em que limites são impostos tão logo o álbum tem início, ferramenta que impede a formação de uma obra versátil, mas sustenta em essência o crescimento do trabalho.

Por vezes esquizofrênico, Morning Phase é uma obra que aponta para a libertação, mas cai na angústia imediata do isolamento. Enquanto Say Goodbye, no eixo inicial do disco, aceita a separação – “É hora de ir embora? Tentar novamente algum outro dia? Estas são as palavras que usamos para dizer adeus” -, Don’t Let It Go, na segunda metade chora pelo “recente” distanciamento. “Em meio ao fogo cruzado há uma história/ E como termina, eu não sei/ Não deixe o ir/ Não deixe que ele vá embora”, se desespera o músico em um dos momentos mais densos do trabalho. Continue reading →

Miojo Indie

Cozinhamos a massa e temperamos tudo para você

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Disco: “No Mythologies to Follow”, MØ

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